31.1.06

FÁBULAS: REBELIÓN EN LA GRANJA

Guión de Bill Willingham.
Dibujo de Mark Buckingham.
Portadas de James Jean.
Contiene Fables: Animal Farm TPB USA (Fables nº 6 a 10 USA).
Norma Editorial, 120 páginas, 12,95€.


Si el primer tomo de Fábulas nos presentaba cómo estaban las cosas en El Bosque, cómo vivían sus habitantes y cuáles eran las relaciones entre ellos por medio de una historia detectivesca, en la segunda entrega Willingham se ocupa de las otras fábulas. Como se nos decía en Leyendas en el exilio, los seres de cuento que no tienen forma humana y que no pueden pagarse un hechizo que la simule viven apartados del mundo real en La Granja. ¿A qué personajes podemos esperar encontrarnos allí? Pues a los ratones de Cenicienta, a los Tres Cerditos, a los animales de El Libro de la Selva (conocidos con el nombre genérico de "Grupo Kipling"), etc. A quien no veremos allí será al Lobo Feroz, cuya entrada en La Granja está totalmente prohibida aunque sea el sheriff del Bosque.

Cuando el alcalde de la Granja desaparece en extrañas circunstancias, Blanca Nieves se va allí a investigar y se lleva a su hermana con la esperanza de limar asperezas. Al principio, todo parece normal. Los animales son felices, reciben un alto porcentaje del presupuesto anual de las fábulas... Pero cuando tiene lugar el asesinato de uno de los animales, se hace patente que bajo esa fachada pasa algo raro. Y ese algo es que las fábulas no humanas viven en una cárcel de oro. Cuentan con todos los lujos pero no pueden salir de La Granja. No es de extrañar que pretendan utilizar las armas para volver a las Patrias y que la líder rebelde esté dispuesta a aplastar toda resistencia.

Y ¿quién es esa líder? Pues el personaje estrella del segundo tomo y uno de los más logrados de Fábulas: Ricitos de Oro. La insoportable niñata repelente del cuento de los ositos ha crecido y tiene los ovarios suficientes para llevar a cabo un plan que, en el fondo, esconde una intención común a la mayor parte de los líderes rebeldes: conseguir el poder. Con estos elementos, Willingham nos mete en una guerra de bandas. Atrás queda el espléndido whodunnit del número anterior para ofrecernos una historia más aventurera con secuestros, asesinatos, combates sin cuartel, conspiraciones. Y todo ello, como decía el otro decía, corrompiendo los mitos infantiles del mundo anglosajón (y occidental, por extensión).

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30.1.06

EL HIPERTIEMPO


El hipertiempo era un concepto extraño que consistía en que todas las historias de los personajes de DC en cómics, cine o animación habían sucedido en algún momento y se podían cruzar con la continuidad oficial. Así, cualquier historia imaginada o fuera de la continuidad se consideraba válida y se podía utilizar en cualquier momento.

Los padres de esta noción fueron Mark Waid y Grant Morrison, si bien este último no escribió ninguna historia donde interviniera el hipertiempo. Al menos, no después de su creación oficial, o más bien oficiosa, porque su saga "Deus Ex Machina" de Animal Man era la precursora de todo esto. No hace mucho hablamos aquí de esa historia en la que Animal Man trascendía la barrera del cómic para entablar una conversación con Morrison. Como tal, el hipertiempo debutó en The Kingdom nº 2 (febrero de 1999), la secuela a la aclamada Kingdom Come que había escrito Waid. En ella, el Superman de la continuidad DC se encontraba con el de aquel futuro alternativo, y se nombraba por primera vez al hipertiempo.

Aunque en la definición de arriba he intentado simplificar qué es el hipertiempo, viendo las explicaciones originales de sus creadores a uno le puede subir la tensión fácilmente. Literalmente, Waid dice que «El hipertiempo es más que una simple alternancia de líneas temporales y realidades. Es como el río del tiempo que a veces se desvía de su curso, se ramifica y vuelve al río principal. De una forma no análoga, lo que esto significa es que las líneas temporales paralelas pueden, a veces, cruzarse con la corriente principal, lo cual explica las incongruencias o las historias poco ajustadas a la continuidad.» Esta afirmación es la fuente de la principal crítica al hipertiempo que veremos en un momento. Antes, veamos la definición de Grant Morrison tal como se la explicó a Warren Ellis: «Coge una esfera de cristal llena de agujeros y atraviésala por el medio con una varita que sería la línea temporal básica de DC. Introduce otra varita desde otro ángulo haciendo que se toquen en algún punto. Eso es un "Otros Mundos". Coge otra varita, y esta vez que sea ondulada, y que toque la línea principal en dos o tres puntos. Esa es la línea temporal básica de Marvel. Tal vez otras seguirán la línea de la varita de DC un rato antes de separarse, o chocarán con ella en diagonal antes de separarse. Esta esfera contendrá las líneas temporales de todas las realidades de los cómics y, teóricamente, cada una tiene acceso a las otras. Y encima de la esfera está nuestra realidad, desde la que podemos observar la totalidad del hipertiempo, el volumen entero.» Con un par.

Tras la aparición del hipertiempo en The Kingdom, hubo guionistas que pasaron del tema para no liarse más y hubo quienes lo adoptaron para demostrar que se podía hacer buenas historias con un concepto tan enrevesado. Karl Kesel lo utilizó en el que tal vez sea su mejor uso, la saga "Hipertensión" que abarcó Superboy nº 60 a 65 en 1999. Kesel usó el hipertiempo para crear una historia entretenida con versiones alternativas, viajes en el tiempo y demás. Un poco más tarde, fue Peter David quien adoptó el hipertiempo, si bien no oficialmente, para recuperar en los últimos números de Supergirl a la versión pre Crisis del personaje. En todo caso, con la teoría del hipertiempo se podía justificar toda historia que atentara contra la continuidad oficial del Universo DC. Y ésa, como decía antes, fue una de las críticas que recibió.

La reacción de los lectores fue ciertamente negativa, sobre todo cuando Waid se cubrió de gloria diciendo lo de que el hipertiempo «explica las incongruencias o las historias poco ajustadas a la continuidad». Esto se interpretó como una forma de justificar cualquier metedura de pata provocada por descuidos e incluso por la incompetencia de guionistas y editores. En otras palabras, se consideró una forma de cubrirse las espaldas por lo que pudiera pasar (o hubiera pasado). A esto, Waid dijo que la continuidad debe estar al servicio de las historias y no al revés. Reproduzco el párrafo entero (que se publicó en www.fanzing.com) porque no tenía desperdicio: «Tal como Grant y yo lo explicamos a los de arriba, por lo que a nosotros respecta no es en absoluto una forma barata de poder contar historias con Krypto el Superperro el mes que viene. Esas cosas ya no me interesan. Toda la razón de ser del hipertiempo era simplemente abrir otra vez las puertas de DC y recordar a los lectores que la continuidad debería seguir a las historias, y no al revés, y también que el Universo DC debería ser un lugar donde puede pasar cualquier cosa. Nos sentimos especialmente orgullosos de la estructura del hipertiempo; es decir, si quieres usarlo, puedes hacerlo, pero si como autor o como editor te molesta, pues bueno, no tienes por qué utilizarlo. Existe como herramienta, no como norma.»

Otra de las críticas fue que el hipertiempo era un regreso al multiverso. Obviamente, "los de arriba" de los que habla Waid lo negaron rotundamente. Tras una Crisis, una Hora Cero y muchas retcons, no se podía borrar todo el esfuerzo de un plumazo. Teniendo en cuenta la definición de Morrison, que no por rayante deja de ser gráfica, la diferencia entre hipertiempo y multiverso es muy clara. En el primero, las líneas temporales pueden comenzar y acabar en cualquier punto de la esfera. En el caso del multiverso, si recordamos Crisis en tierras infinitas nº 7, todas las tierras nacieron del mismo punto cuando Krona se puso a trastear con el origen del universo.

Actualmente, la postura oficial de DC con respecto al hipertiempo es muy clara. Según una entrevista concedida por Didio a The Pulse con motivo de Infinite Crisis, «El hipertiempo se ha ido del Universo DC». Esto no ha evitado que el concepto se haya utilizado recientemente. Dejando aparte la línea All Star, porque ya sería suponer demasiado, Jeph Loeb se ha pasado toda su etapa en Superman / Batman recurriendo a ese concepto. Ejemplos: el Superman que acompaña a Metron, la Legión de Supervillanos de la saga dibujada por Carlos Pacheco, el propio final de esa misma historia, el Batman de cierta serie animada, etc. Y de una forma más solapada, en JSA Keith Champagne y Don Kramer metieron al Doctor Fate y un villano recurrente de la serie en varios momentos de "Otros Mundos". A pesar de eso, y viendo cómo evoluciona Infinite Crisis, el hipertiempo parece haber pasado a mejor vida porque, sencillamente, ya no parece que haga falta.

THE KINGDOM AND ALL RELATED INDICIA ARE (C) DC COMICS.

27.1.06

PORTADAS DC: CRISIS ON INFINITE EARTHS Nº 7 (1985)... Y SUS PRIMAS



Una de las virtudes de George Pérez más aclamadas por los aficionados es su habilidad para meter un centenar de personajes en una página sin que cause sensación de agobio. Uno de sus mayores logros fue la portada de este número de Crisis que es uno de los mayores clásicos de DC de todos los tiempos. La historia del multiverso, la batalla entre el Antimonitor y los héroes más poderosos de las tierras que quedaban, la muerte y el funeral de Supergirl... Todo eso, y más, era lo que había en este número. Su portada fue la mejor forma de preceder la emotividad que encerraba el séptimo episodio de la maxiserie.

Y claro, si una portada funciona bien, es susceptible de recibir "sentidos homenajes". El primero llegó en 1991 por parte del propio Pérez en una serie de Marvel:



Más ejemplos:


Superman The Man of Steel nº 10 (abril de 1992, por Jon Bogdanove)


Valor nº 18 (mayo de 1994, por Stuart Immonen)


Supergirl nº 79 (abril de 2003, por Ed Benes)


Tom Strong nº 22 (enero de 2004, por Chris Sprouse)

Y la más reciente...


Firestorm nº 21 (enero de 2006, por Jamal Igle).

CRISIS ON INFINITE EARTHS, VALOR, SUPERMAN THE MAN OF STEEL, SUPERGIRL, FIRESTORM AND ALL RELATED INDICIA ARE (C) DC COMICS. TOM STRONG IS (C) AMERICA'S BEST COMICS. ADVENTURES OF THE MIGHTY MOUSE IS (C) MARVEL ENTERTAINMENT.

26.1.06

RESEÑAS BREVES


Portada de JLA nº 124, por Daniel Acuña.

Más reseñas de las últimas novedades de DC en Estados Unidos. Contiene spoilers.
Hawkman nº 48
Por Justin Gray, Jimmy Palmiotti y Chris Batista.


La segunda parte de "Coalición en Crisis" nos trae una nueva batalla por todo lo alto. Si las rencillas entre Thanagar y Rann quedaron medio resueltas en el número anterior, ahora toca que todos se enfrenten a Komand'r y sus huestes. Gray y Palmiotti siguen utilizando a dos personajes que todos habían olvidado pero que ellos se empeñan en recuperar. Se trata de Golden Eagle y Fel Andar, y la cosa les está saliendo bien. Lo único reprochable de la trama es cómo llegó Eagle al conflicto, pero el conjunto es tan positivo que resulta un detalle menor. Batista, con su estilo a lo Pacheco mezclado con otras muchas influencias, continúa dibujando todo esto con mucha soltura. Su Hawkman es poderoso, y su forma de relatar batallas a tan gran escala es fluida y permite seguir el hilo sin problemas.

Green Arrow nº58
Por Judd Winick y Ron Garney.


Comienza una saga nueva que continúa directamente a la anterior. El combate desigual entre Green Arrow y el Doctor Luz ha dado como resultado la destrucción del cuartel general de los arqueros. Conner está hecho un cromo y de Mia no se sabe nada. Con esta premisa, comienza una nueva persecución entre los dos enemigos que llevará a Ollie ante el que es el enemigo real de todo esto. La verdad es que toda esta historia del Doctor Luz comienza a cansar porque no acabo de comprender la manía que le tiene a Green Arrow. Vale que todo viene de Crisis de identidad, pero al fin y al cabo el Arquero Esmeralda no fue el único implicado en lo que allí se contaba. Se podría decir que Luz ha ido a por el enemigo más débil de toda la Liga de la Justicia de la época del Satélite, pero viendo lo poderoso que es ahora este villano podría haber atacado a otrosy quedarse tan ancho. Un ejemplo más de la irregularidad de Winick en esta colección.

JLA nº124
Por Bob Harras y Tom Derenick


En una saga que se va desinflando a medida que pasan los números, cada vez queda menos héroes a los que sacar. Harras trata bastante bien el conflicto entre Green Arrow y Batman, pero ya va siendo hora de resolverlo. Al parecer, sucederá en el próximo número. Tal vez habría sido deseable que la Liga o lo que queda de ella se implicara más en Crisis infinitas en lugar de tener que hacer frente a un villano tan insípido como la Llave.

JLA Classified Cold Steel nº 2
Por Christopher Moeller.


Una historia muy vista, predecible y aburrida se une a un dibujo que además de horrible es pretencioso para mezclar a la Liga de la Justicia con los Transformers. En serio, esta miniserie cuya mayor virtud es ser breve, me parece lo peor que ha sacado DC en todo 2005. Unos alienígenas que necesitan la ayuda de la Liga para enfrentarse a sus peores enemigos les dan unos trajes de mecha que imitan sus poderes y... ¿Merece la pena seguir?

Y The Last Man nº 41
Por Brian K. Vaughan y Goran Sudzuka.

Este número autoconclusivo es un ejemplo perfecto de por qué Vaughan es un escritor como la copa de un pino. A estas alturas de la colección, aún es capaz de sorprenderme. Hay personajes que todavía guardan secretos y reprimen experiencias traumáticas que justifican totalmente su actual comportamiento. En esta ocasión, Vaughan y el dibujante suplente habitual nos relatan la dura vida de la agente 355. Y alrededor, otras muchas circunstancias que nos llevarán a la próxima saga. Lo único malo es que sólo queden diecinueve entregas para que termine la serie.

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25.1.06

JLA CLASSIFIED: NEW MAPS OF HELL


Portada de Michael Stribling
para JLA Classified nº 10.


Guión de Warren Ellis.
Dibujo de Butch Guice.
Portadas de Michael Stribling.
Saga publicada en JSA Classified nº 10 a 15 USA.
DC Comics, 36 páginas y 2,99$ c/u.

"Los nuevos mapas del infierno" ("New Maps of Hell") es la saga más reciente de las publicadas en JLA Classified y narra una historia de la LJA (Liga de la Justicia de América) previa a los acontecimientos de "Crisis de conciencia" (JLA nº 115 a 119 USA). En esta historia, tenemos unos excelentes dibujos de un Butch Guice muy inspirado y una historia que no se aparta de la tónica de las demás aventuras de esta Liga "de los grandes".

En esta ocasión, el grupo se reúne porque están pasando cosas malas en la Tierra que, según los descubrimientos posteriores, se pueden relacionar con un hallazgo arqueólogico: unas tablillas con extrañas inscripciones en una lengua desconocida. A partir de ahí, la Liga se enfrentará a lo de siempre, esto es, un enemigo muy poderoso capaz de destruir el mundo y tal. Por el camino, deberán afrontar sus peores miedos.

Lo cierto es que, una vez leída la saga entera, resulta una lectura tan entretenida como poco original. Sin embargo, es el tipo de lectura que muchos escritores hacen de la Liga de la Justicia desde Grant Morrison, porque al fin y al cabo no cuentan con elementos para escribir historias con desarrollo de personajes. "Los grandes", con la notable excepción del Detective Marciano, tienen sus propias series donde evolucionar. Aquí, desempeñan un papel dentro del grupo que es coherente con historias anteriores. Eso sí, como decía antes, no aporta nada nuevo pero entretiene, que no es poco, y recuerda a épocas en que la Liga era capaz de reunirse sin echarse los trastos a la cabeza.

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24.1.06

FÁBULAS: LEYENDAS EN EL EXILIO


Portada del tomo, por James Jean.



Guión de Bill Willingham.
Dibujo de Ian Medina.
Contiene Fables: Legends in Exile TPB (Fables nº 1 a 5 USA).
Norma Editorial, 128 páginas, 12,95€.

¿Cómo demonios puede funcionar un cómic protagonizado por Blancanieves, el Lobo Feroz, el Príncipe Azul y otros personajes de cuento que viven en nuestro mundo desde hace siglos? Pues no lo sé, pero funciona. De algún modo, Bill Willingham ha conseguido transplantar todo tipo de leyenda popular o fábula literaria a la actualidad y a tramas propias de otros géneros que no tienen nada que ver con sus ambientes originales.

En este primer tomo, la premisa consiste en que Rosa Roja, la hermana olvidada de Blancanieves (o señora Nieves), ha desaparecido de su piso, que está lleno de su sangre. El Lobo Feroz, jefe de la policía de esta organización mágica, tendrá que investigar qué ha sucedido. Alrededor de todo, veremos circular a Jack (el de la planta de judías gigante), el novio de Rosa, al Príncipe Azul, ex esposo de Blanca Nieves y otras princesas y antiguo amante de Rosa. No faltará Barbazul, el prometido de la joven, que aún enreda más la trama. Y además, muchos invitados especiales como una Bella y una Bestia con problemas conyugales, una Cenicienta bastante guerrera o un impagable Pinocho con ganas de... hacerse mayor.

En torno a la trama principal propia de una novela detectivesca, Willingham nos va presentando a todos estos personajes y nos sugiere cómo es el mundo de estas fábulas. También nos cuenta por qué viven en el mundo real, dónde están las fábulas con forma no humana (o que no tienen dinero para comprar un hechizo con que simularla)... Leyendas en el exilio es una forma excelente de comenzar una serie regular. Hay una trama propia que engancha a los lectores mientras se van empapando de cómo funciona esto y de cuáles son las reglas si es que las hay.

Igual que Shrek pero en un tono más serio, Fábulas se carga un buen número de leyendas populares. Blancanieves no fue feliz con su príncipe, a Pinocho no le va bien como niño de carne y hueso, a Bella no le gusta su empleo mundano porque no tiene glamour... Es precisamente esta forma de destrozar los recuerdos infantiles, algunos de ellos bastante empalagosos, lo que me ha enganchado a esta serie. Un día de éstos, Rebelión en la granja y esa magnífica Ricitos de Oro.


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23.1.06

LOS GREEN LANTERN CORPS


Portada de Tales of the Green Lantern Corps nº 1, por Brian Bolland.



El origen

Los Green Lantern Corps son una especie de cuerpo policial interestelar dirigido por los Guardianes del Universo. Forman parte de la mitología que rodea a las diversas encarnaciones de Green Lantern a partir de la edad de plata. Hal Jordan nació en una época en que la ciencia-ficción estaba de moda, así que a sus creadores, John Broome y Gil Kane, no les pareció mala idea que no fuera el único Linterna Verde del universo. El primer contacto de Hal con otro miembro de la formación tuvo lugar en Green Lantern nº 6 (mayo de 1961), cómic en que conoció a Tomar-Re. Ya en el número 11, conoció a otros miembros, la mayoría de los cuales no tenía nombre de pila. Es ese número el que se considera la primera aparición de los Green Lantern Corps, si bien no se los nombra como tales.

Con el tiempo, tanto Broome como sus sucesores fueron moldeando la historia de los Green Lantern Corps. Tras fracasar con los Manhunters, unos androides que les salieron rana, los Guardianes decidieron que su nuevo cuerpo de guerreros estaría compuesto por seres vivos que fueran dignos de tal honor y que no tuvieran miedo a nada. Así, trazaron tres mil seiscientos sectores imaginarios alrededor de Oa, su planeta y el centro del universo, a cada uno de los cuales asignaron un protector. Al principio, estos Linternas originales llevaban una pistola, pero pronto apareció el famoso anillo de poder que, forjado a partir de la propia Gran Batería de Oa, les dio su característica principal. Tal como relataron Gardner Fox y Sid Greenes en "The First Green Lantern" (Green Lantern vol. II nº 40 de marzo de 1969), el primer Green Lantern fue un tal Rori Dag del planeta Rojira. A lo largo de los siglos, fueron varios los miembros notables del grupo, entre ellos varios humanos.

Los Guardianes no querían tener con estos nuevos guerreros los problemas que habían sufrido con los Manhunters. Así, en los anillos introdujeron una impureza que los hacía vulnerables al color amarillo. El origen de esta debilidad se ha sugerido y cambiado en diversas ocasiones; la última ha sido muy recientemente en Green Lantern: Rebirth (2004-2005, por Geoff Johns y Ehtna Van Sciver), y está muy relacionada con un depredador espacial de gran poder que era de color amarillo. Otra limitación del poder de los anillos es la recarga que, necesariamente, deben efectuar sus portadores cada veinticuatro horas en su reproducción a pequeña escala de la Gran Batería.

Durante más de veinte años, los Green Lantern Corps formaron parte del elenco de secundarios de la colección de Hal Jordan. Incluso contaron con una serie de corta duración en 1981, titulada Tales of the Green Lantern Corps. En 1986, los acontecimientos de Crisis en tierras infinitas afectaron a los Guardianes y a la propia estructura de la organización. Desde aquel evento, los hombrecillos azules se marcharon para dejar que sus guerreros actuasen como quisieran y siguiendo sus conciencias.

Los Green Lantern Corps de la Tierra


Portada de Green Lantern Corps nº 201, por Joe Staton.



Desde 1984, en la Tierra había un nuevo Green Lantern que no era Hal Jordan sino su sustituto oficial, John Stewart. Poco después de la Crisis, Jordan compartió con Stewart el puesto de Linterna oficial del sector 2.813 (el de la Tierra), algo poco habitual. Cuando se retiraron, los Guardianes aconsejaron a ambos que se fueran a su planeta porque iba a jugar un papel fundamental en los acontecimientos del nuevo milenio. Y con ellos se fueron un puñado de Linternas alienígenas: Katma Tui de Korugar y Arisia de Graxos IV (novias de John y Hal, respectivamente), Ch'p de H'iven, Salakk y Kilowog.

Con esa premisa nació la serie Green Lantern Corps, título con que se renombró a la colección de Hal Jordan a partir del número 201 (junio de 1986) y hasta el 224 (mayo de 1988). Los autores fueron Steve Englehart y Joe Staton, grandes profesionales del medio que ya se habían ocupado de la serie durante bastante tiempo. También ellos eran los elegidos para sacar adelante el tercer gran cross-over de DC, titulado Millennium. En él estarían implicados estos nuevos Corps de forma especial, pues la trama principal giraba alrededor de los Guardianes del Universo, los Manhunters y una nueva raza que marcaría la evolución de la humanidad.

Cruce editorial aparte, la colección narró las aventuras de este grupo de Linternas en su cuartel de Los Ángeles y en toda la Tierra. Fue en aquellos años en los que ganó protagonismo uno de los mejores personajes que han salido de este cuerpo espacial. Se trata de Kilowog, cuyo planeta Bolovax Vik fue destruido durante la Crisis. Fue él quien creó en la Unión Soviética a los Rocket Red en Green Lantern Corps nº 8; fue una historia memorable en la que tuvo también su protagonismo el hijo pródigo, Guy Gardner, el tercer Linterna de la Tierra que colaboraba ocasionalmente con sus compañeros. Tal como se explicaba en Green Lantern: Emerald Dawn nº 4 (marzo de 1990, por Keith Giffen, Gerard Jones y Mark Bright), Kilowog era el instructor oficial de los Linternas novatos.


Los Corps en su cuartel general de California.



La colección de los Corps desapareció por circunstancias editoriales. DC iba a convertir Action Comics en Action Comics Weekly, una publicación semanal en que habría seriales de Superman y otros héroes. Uno de ellos tenía que ser Green Lantern (en este caso, Hal Jordan) y Green Lantern Corps debía cerrarse. En los últimos dos números, se explicó como, para derrotar a Sinestro, Jordan tuvo que dejar sin poder los anillos de todos los Corps del universo excepto cuatro: el suyo, el de Gardner, el de Ch'p y el de G'Nort.

Destrucción y renacimiento

Una vez acabada la andadura semanal de Action Comics, Hal Jordan volvió a tener en 1990 su propia serie regular. En Green Lantern (vol. III) nº 13, los Guardianes volvían a dar poder a los anillos de todos los Linternas, pero poco les iba a durar la alegría. Durante los hechos conocidos como "Crepúsculo Esmeralda", Hal se volvió loco en su identidad de Parallax y acabó con todos los anillos y con casi todos sus portadores. Su objetivo era reunir el poder necesario para reconstruir Coast City.

Desde aquella historia, bastante penosa a todo esto, no ha existido un grupo de Green Lantern Corps oficiales. Kyle Rayner, el sustituto de Jordan y único Linterna del universo tras los hechos arriba mencionados, intentó en alguna ocasión duplicar su anillo. Fue así como pudo haber más de un Green Lantern (que fueron Jade primero y John Stewart, después), pero no era lo mismo. Tras Green Lantern: Rebirth, las cosas han cambiado y los Corps han regresado.


La nueva Oa de Green Lantern Corps: Recharge.



Ese retorno se ha producido en la miniserie Green Lantern Corps: Recharge que aún se publica en Estados Unidos y que será, probablemente, una serie regular en breve debido al éxito que está teniendo. Sin desvelar nada importante del argumento, podríamos decir que ahora hay dos Linternas por cada sector y que un buen puñado de veteranos de la organización se dedicarán a entrenar a los nuevos reclutas. Parece ser que vamos a tener Green Lantern Corps para rato.

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20.1.06

RESEÑAS BREVES



Acabo la semana con unas cuantas reseñas de algunos cómics de DC aparecidos durante la primera semana de este mes. Prácticamente todos están relacionados con Crisis infinitas en mayor o menor medida, así que OJO SPOILERS.

Aquaman nº 38
Por John Arcudi y Leonard Kirk

Sin duda, éste es el mejor cómic de Aquaman de toda la etapa de Arcudi como guionista de la colección. Por lo general, ha sido una etapa bastante mediocre que ha remontado en los dos últimos meses gracias a su relación con las Crisis. El mes pasado, vimos cómo el Espectro destruía Atlantis durante una batalla muy intensa que ampliaba los sucesos vistos en Infinite Crisis nº 3. Este mes, toca relamerse las heridas y recapitular, y también recordar a los amigos muertos, que son muchos y algunos, bastante importantes en la historia del personaje. El recorrido de Orin por las ruinas de su ciudad es realmente emotivo, y en todo momento somos conscientes de la sensación de desasiego que viven los atlantes que han sobrevivido y que deben mudarse a Sub Diego. Es un buen número de ésos de "aftermath" o consecuencias de algo, dibujado por un Leonard Kirk que cumple con su habitual soltura.


Infinite Crisis Special - Day of Vengeance (one-shot)
Por Bill Willingham y Justiniano

Este especial de Infinite Crisis, que se debe colocar entre los números tres y cuatro de la miniserie central, es con diferencia lo mejor de Day of Vengeance y también es, por fin, la conclusión a la trama del Espectro y la magia. Y es una resolución por todo lo alto que incluye uno de los mejores aspectos que está teniendo la actual Crisis: que las cosas cambian. Al final del número, la roca de la eternidad tiene un nuevo morador (bastante conocido, por cierto), un personaje mágico muy importante de DC desaparece y, por fin, el Espectro recibe lo suyo por todo lo que ha estado haciendo últimamente. Por el camino, vemos a todos los personajes mágicos de la casa, desde los grandes como Zatanna hasta los menos conocidos, como Amatista. Y claro, también están los miembros del Pacto Sombrío haciendo de las suyas y acaparando parte del protagonismo.

JSA nº 81
Por Geoff Johns y Dale Eaglesham

Al parecer, éste es el último número de Geoff Johns como guionista de la serie, aunque no se haya anunciado oficialmente. Su despedida está centrada en uno de sus personajes emblemáticos de esta JSA, su querida Stargirl. Johns repasa la vida de la joven y resuelve uno de sus asuntos pendientes, que es el que concierne a su padre biológico. La caracterización es excelente, como siempre, y el dibujo de Eaglesham me gusta más que el de Don Kramer. Lo único reprochable es que la marcha de Johns de esta serie parece apresurada y un poco por la puerta falsa, pero seguro que se compensa con lo que viene. A partir del mes que viene, Paul Levitz toma las riendas de la serie (al menos durante medio año) con George Pérez y Rags Morales como dibujantes.

Outsiders nº 32
Por Jen Van Meter y Matthew Clark

Starfire y su hermana sacan trapos sucios y se lían a tortas hasta cansarse mientras Shift y Jade andan por allí haciendo lo que pueden para no salir muy mal parados. Es un número bastante flojo aunque importante para entender el viaje espacial de Donna Troy y compañía que no se ha desarrollado dentro de Infinite Crisis tanto como hubiera sido deseable. Dibujo correcto de Clark.

Superman nº 225
Por Mark Verheiden y Ed Benes

En este número bastante cansino tenemos a Superman analizando y comiéndose el tarro sobre las palabras que le soltó Batman en Infinite Crisis nº 1: «La última vez que inspiraste a alguien fue cuando moriste.» Anda que no le vale ni nada. En fin, que durante estas agotadoras páginas donde cuenta con bastante protagonismo Jimmy Olsen, el Hombre de Acero deberá hacer frente a esas palabras y demostrarse que no son ciertas. ¿Lo conseguirá? Bueno, os lo podéis imaginar.

Teen Titans 31
Por Geoff Johns y Tony Daniel

Qué macabro, qué importante, qué épico y qué de todo es este número. El Hermano Sangre ha resucitado a Titanes muertos como Augurio, Kole o Aquagirl I para tocar las narices al grupo actual. Por su parte, Raven y Changeling se van al mismo Cielo a investigar por qué se han abierto sus puertas. Allí se encuentran a una nueva versión de Kid Eternity que les cuenta que dichas puertas son un cachondeo desde la resurrección de Superman. Supongo que esto está muy ligado a Crisis infinita y a las resurrecciones recientes, y quién sabe si a cierta señora enferma que sale por allí. El número acaba con la promesa de una batalla por todo lo alto entre los Superboys y que se ha llevado a cabo en Infinite Crisis nº 4. Cruces y más cruces.

Batman and the Monster Men nº 3
Por Matt Wagner

Creo que ya lo he dicho en otra ocasión, pero no acabo de coger el punto ni a Wagner ni a esta miniserie. Básicamente, es otra revisión a los orígenes de Batman y a su primer encuentro con uno de sus enemigos. Se ha hecho muchas veces este tipo de historia, tanto que me cansa bastante. En cualquier caso, Hugo Strange está bien retratado, y la presencia de Julie Madison es un guiño bonito a la primera novia de Bruce Wayne.

AQUAMAN AND ALL RELATED INDICIA ARE (C) DC COMICS.

19.1.06

III PREMIOS LA CÁRCEL DE PAPEL

Como los últimos dos años, el prestigioso blog La Cárcel de Papel ha convocado sus premios anuales, cuyos resultados se conocerán el próximo mes. Os dejo con el comunicado enviado por Álvaro Pons.


Estimados amigos/as:

Como ya es tradición he puesto en marcha una nueva convocatoria de los Premios de La Cárcel de Papel, en la que se premian diferentes categorías, tanto por jurado como por lectores. Igual que en la anterior convocatoria, los premios que decidirá el jurado pertenecen a las siguientes categorías:
- “*Mejor tebeo español”*, al mejor tebeo publicado por primera vez durante el 2005 y realizado por autores españoles y/o extranjeros
siempre que al menos uno de ellos sea español.
- *“Mejor tebeo extranjero”*, al mejor tebeo publicado por primera vez durante el 2005 y realizado íntegramente por autores extranjeros.
- *“Mejor dibujante”*, reconociendo la labor gráfica de un autor, español o extranjero, en un tebeo/s publicado/s durante el año 2005.
- *“Mejor guionista”*, reconociendo la labor como guionista de un autor, español o extranjero, en un tebeo/s publicado/s durante el año 2005.
- *“Mejor edición”*, que reconocerá la mejor calidad de edición de un tebeo publicado durante el 2005 por una editorial española. En esta categoría se valorarán exclusivamente las características técnicas de la edición: calidad de la edición, diseño, traducción, etc.
- *“Autor revelación español”*, a un autor español que haya publicado durante el 2005 una obra inédita que se encuentre entre sus tres primeras obras editadas profesionalmente por una editorial establecida.
- *“Mejor labor de promoción de la historieta”*, a la mejor labor de promoción de la historieta durante el 2005. Este premio puede reconocer la labor de particulares, instituciones, eventos o medios de comunicación que hayan desarrollado durante el 2005 una labor activa de promoción de la historieta.
-* “Toda una obra”*, reconocimiento a la labor de un autor español que tenga más de 25 años de trayectoria profesional reconocida.
Pero también, como ya es tradición, hay unos premios reservados a la opinión de los lectores de La Cárcel, que decidirán en tres categorías:
*“Premio de los lectores al mejor tebeo español 2005”*, premio de los lectores de La Cárcel de papel al mejor tebeo publicado por primera vez durante el 2005 y realizado por autores españoles y/o extranjeros siempre que al menos uno de ellos sea español.
- *“Premio de los lectores al mejor tebeo extranjero 2005”*, premio de los lectores de La Cárcel de papel al mejor tebeo publicado por primera vez durante el 2005 y realizado íntegramente por autores extranjeros.
- *“Premio de los lectores al mejor weblog en castellano sobre tebeos 2005”*, premio de los lectores de La Cárcel de papel al mejor weblog en castellano que tenga los tebeos como eje fundamental de sus contenidos. Evidentemente, no se puede votar a La Cárcel de Papel.

http://www.lacarceldepapel.com/varios/premios_2005_formulario.htm



JLA: WORLD WAR THREE TPB


Portada de JLA nº 41, por Howard Porter.

Guión de Grant Morrison y J.M. DeMatteis
Dibujo de Howard Porter y Mark Pajarillo.
Contiene JLA nº 34 a 42
DC Comics, 208 páginas, 14,95$


JLA: World War III es el final de la etapa de Grant Morrison al frente de JLA a finales de los noventa, y en ella cierra todas las subtramas y crea al villano más peligroso de todos para meter a la Liga de la Justicia en su aventura más épica, más espacial y más de todo. De hecho, es tan "más" que en algunos puntos se queda a medio gas. Estrictamente, "La Tercera Guerra Mundial" abarca los números 36 a 41. El número 34 es un prólogo y, el 35, parte de la saga "Día del juicio". El último número corresponde al mes "puente" entre la despedida de Morrison y la llegada de Mark Waid, y se queda en eso, un simple número de transición. Pero hablemos de la saga principal.

¿Cuáles son los elementos con los que juega Morrison en esta saga? Pues son muchos. Uno es la resolución por fin del subargumento que obliga a Barda y Orion a permanecer en la Liga. Y es que Mageddon, un arma inventada en Urgrund, el mundo anterior a la división entre Nueva Génesis y Apokolips, está a punto de llegar a la Tierra. Otro elemento es una nueva Banda de la Injusticia cuyo protagonismo queda siempre diluido por la inminente llegada del bicho malo espacial. Y es una pena, porque cuenta con buenos elementos como el Luthor estilo Morrison visto en "La roca de la eternidad" o la nueva Reina Abeja. Así pues, con villanos reunidos por un lado y otro que viene, que viene, una Liga masificada y un montón de secundarios, el escocés compone su traca final.

Es precisamente ese exceso de personajes, de elementos y de eventos catastróficos lo que hace que la saga se me quede a medias. La presencia de Mageddon hace que la gente se vuelva loca y los países se declaran la guerra a la mínima. Es esto lo que da nombre a la saga, pero no se profundiza demasiado, y hubiera estado bien. Habría sido una forma de hacer a esta saga diferente a las demás. Otro aspecto que no me convence es la resolución y la implicación de Animal Man y su campo morfogenético. Creo que Morrison podría haber solventado la situación usando algún elemento anterior de JLA y no un concepto oscuro de una serie que hacía años que no escribía.

Por lo demás, la historia tiene sus buenos momentos, como la batalla verbal entre Prometeo y Oráculo o el buen uso que hace Morrison de personajes como Plastic Man o Kyle Rayner. También hay algo de mala baba marca de la casa, como que Zauriel descubra que el Cielo está pensando en crear un mundo nuevo porque el actual lo tiene crudo. Además, el dibujo de Porter mejoró mucho desde el principio de la serie y se nota, pero el exceso de personajes no le beneficiaba en absoluto.

En definitiva, es una saga demasiado ambiciosa para la ejecución que tuvo, si bien sirve como traca final para la Liga de Morrison. Si el grupo se había enfrentado a amenazas cada vez mayores, aquí la cosa se desmadró y no podía haber enemigo más tremendo que Mageddon. Hasta que salió el siguiente, claro.

JLA AND ALL RELATED INDICIA ARE (C) DC COMICS.

18.1.06

WE3




Guión de Grant Morrison.
Dibujo de Frank Quitely.

Contiene WE3 nº 1 a 3.
DC / Vertigo, 104 páginas, 12,99$

Edición española:
Planeta, 112 páginas, 8,95€

Desde mediados de los noventa, el dúo Grant Morrison / Frank Quitely nos ha dado momentos tan memorables como Flex Mentallo, JLA: Tierra-2, sus números en Nuevos X-Men o, más recientemente, All-Star Superman. Este We3 es uno más de esos grandes momentos, uno que cuenta con los ingredientes perfectos para una lectura que nos haga reflexionar un poco.

Básicamente, We3 nos cuenta la fuga de tres animales (un perro, un gato y un conejo) que han sido un cuerpo de elite encubierto del ejército estadounidense. Tienen armaduras, armas, personalidad propia e incluso han aprendido a hablar un poco. Pero ya no sirven porque han cumplido con su misión, así que toca eliminarlos, y una doctora los libera para que no los maten. Sin embargo, van a morir igual porque sus cuerpos no pueden sobrevivir sin una medicación.

Con semejante premisa, es obvio que vamos a sentir pena por estos tres tiernos animalitos. El hombre quiere cazarlos, no saben adónde ir excepto a un "hogar" algo indefinido y además tienen los días contados. Sin embargo, en cuanto pasan unas páginas nos damos cuenta de que los We3 no son bichitos indefensos. Tienen en su poder un amplio arsenal armamentístico y sus armaduras los hacen casi indestructibles. Y claro, como al fin y al cabo son animales, emplean esos medios como método de supervivencia. En otras palabras, que suponen un grave peligro. De qué parte se ponga cada uno ya depende de muchas cosas y, sobre todo, del amor que sienta hacia los animales, pero no se puede negar que We3 te obliga a tomar partido.

Y mientras a Morrison se le ocurre todo esto, Quitely nos demuestra lo bien qué comprende al guionista. Y también lo bien que narra por mucho que sus personajes humanos tiendan a ser feos; eso sí, hay que ver la cantidad de expresiones animales que se ha currado. Por otra parte, como los protagonistas son animales, es obvio que habrá muchas páginas sin diálogos, y es ahí donde de verdad se aprecia el arte de Quitely. La claridad que consigue en composiciones de página que no son nada sencillas es impagable, y es la gran baza de este señor en casi todas sus obras.

Concluyendo, tras la inocente portada del recopilatorio (las de los números sueltos aún lo eran más) se esconde un cómic que, casi por sorpresa, te obliga a pensar y te llega a implicar emocionalmente por medio de unos dibujos que pasan de lo cruento a lo bello en un santiamén y unos diálogos medidos y eficaces.
WE3 AND ALL RELATED INDICIA ARE (C) GRANT MORRISON, FRANK QUITELY, AND DC COMICS.

17.1.06

ANIMAL MAN (2 DE 2)


Portada de Brian Bolland para Animal Man nº 1.

La serie regular

En plena explosión creativa de DC tras el masivo lavado de cara que supuso Crisis, apareció modestamente una miniserie de cuatro números titulada Animal Man que, debido a su éxito, se prolongó de forma indefinida. A parte de ser un éxito para el personaje en sí, la colección supuso el lanzamiento al estrellato de su guionista, Grant Morrison, cuyas historias brillaron siempre por encima del talento de dibujantes como Chas Truog. Y es que fue una serie de guionista en la que el escocés mostró sus inquietudes de ese modo tan personal al que nos hemos acostumbrado con el tiempo. Aunque fuera primordialmente un cómic de superhéroes, Animal Man tenía tantas lecturas y elementos que con cada relectura se descubren, aún hoy en día, cosas nuevas.

El primer número se publicó en septiembre de 1988, y nos mostró cómo Buddy Baker, convertido en extra de cine, quería abandonar su tranquila vida con Ellen y sus dos hijos, Cliff y Maxine, para volver a ser superhéroe e incluso unirse a la LJI (Liga de la Justicia Internacional). En la saga inicial, un Animal Man desconocido por el mundo intentaba hacerse un hueco solventando una papeleta tan difícil como detener a B'Wanah Beast. La defensa de los derechos de los animales fue el tema central de la saga y del resto de la serie, pero no el único. Durante los veintiséis números escritos por Morrison, Animal Man se convirtió en todo un experimento que rompió la barrera del multiverso hasta mostrarnos al personaje hablando cara a cara con el guionista. La defensa de la vida vegetariana y la lucha contra el ecoterrorismo fueron otros de los tópicos habituales de Morrison.


Los alienígenas amarillos de Morrison.



Morrison no comenzó mostrando el origen post Crisis de Animal Man, de modo que se supuso que nada había cambiado hasta que, en abril de 1989, se publicó Secret Origins nº 39. Allí Morrison nos contó cómo los alienígenas que habían dado a Buddy sus poderes volvían a la Tierra de visita, con lo cual había un cambio sustancial con respecto al origen pre Crisis. Además, según los bichos amarillos constaron, Buddy era más joven que el que ellos conocieron. La historia siguió en Animal Man nº 10, donde supimos que cada cierto tiempo esos extraterrestres venían a la Tierra a poner en contacto a un humano con el campo morfogenético de la Tierra o The Red, el vínculo que une a todos los seres vivos. Morrison usó tan complejo concepto para justificar los poderes de Buddy y, de paso, abrió paso con aquella trama para la que sería la culminación de su etapa.

Durante la macrosaga ¡Invasión!, Animal Man entró en contacto por fin con la LJI, y Maxwell Lord le propuso formar parte de la rama europea del grupo. Así, a partir de 1989, Buddy hizo doblete en Justice League Europe. Compartió cartel con héroes como Flash, el Hombre Elástico o el Capitán Átomo, y vivió aventuras propias de aquel grupo de la mano de Keith Giffen, J. M. de Matteis y Bart Sears. Entre otras, destacó la aventura en que el grupo coincidía en clase de francés con la Liga de la Injusticia, tal vez el momento álgido de aquella "hermana menor" de la LJI. Sin embargo, Buddy tuvo que dejar el grupo al cabo de un año porque tenía que hacer frente a una grave pérdida. Su familia había muerto en Animal Man nº 20.


La LJE, por Bart Sears.


Fue en aquel punto en que comenzó el canto del cisne de Morrison. La historia final del escocés, titulada por algunos "Crisis Dos", puso en jaque las imposiciones editoriales de DC al recuperar el acceso al multiverso. Por aquel entonces, toda referencia a los hechos pre Crisis era susceptible de censura por la confusión que podía añadir a un Universo DC aún frágil, pero Morrison se lo pasó por el forro. Utilizó al único personaje que recordaba el multiverso, el Psicopirata, para que Buddy conociera a su "yo" original y, en última instancia, traspasara el papel para dialogar con su creador. El genial ejercicio de metalenguaje fue borrado de la continuidad a partir del número siguiente, pero sigue siendo una de las obras maestras de la época.


Portada de Brian Bolland para Animal Man nº 5.


Con la familia resucitada por estas "Crisis", Buddy siguió con sus aventuras en solitario de la mano de otros creadores, entre los que destacaría Jamie Delano. Animal Man siguió siendo una serie "de guionista" y fue enmarcada en la línea Vertigo a partir del número 57 y hasta su cancelación en el 89 en noviembre de 1995.


Animal Man nº 57



De nuevo, guest-star

Ya que los personajes de la línea Vertigo existen en el Universo DC pero "a parte", tras la cancelación de su colección Animal Man tuvo que regresar a su lugar original para convertirse en su superhéroe que es el eterno invitado de series diversas. Su retorno al Universo DC tuvo lugar en Aquaman (vol. V) nº 35 (1997), realizado por Peter David y Jim Calafiore. El rey de Atlantis y Buddy hicieron frente a un villano llamado Gamesman para recuperar a Maxine, la hija de los Baker. Por cierto, Maxine había heredado de su padre la conexión al dichoso campo morfogenético.

Tras apariciones muy contadas en Resurrection Man, Day of Judgment o Star and S.T.R.I.P.E, Buddy regresó a los brazos de Morrison en JLA en un par de ocasiones. La más notable fue su presencia en la saga de Margeddon, más conocida como "Tercera Guerra Mundial" en 2000. Hablaremos en breve de esta saga, aún inédita en España. Más trascendencia tuvo su aparición en Hawkman nº 16 y 17. Buddy está relacionado con Hawkman porque éste comparte un vínculo con los halcones a través de la morfogénesis. La heroína Vixen también está relacionada con este concepto, por cierto. En aquellos dos números, Buddy ayudó a Hawkman, Hawkgirl y Hawkwoman a derrotar a Byth, uno de los eternos enemigos de esta saga de personajes.

Las últimas andanzas de Buddy están muy relacionadas con el actual macropifostio de DC. Se trata de Infinite Crisis, si bien muchos esperaban que Morrison lo recuperase en Seven Soldiers. El personaje forma parte de un nutrido grupo de héroes que acompañan a su líder al mismísimo centro del universo para combatir una gran amenaza. Buddy fue reclutado, muy a pesar de su mujer, en Infinite Crisis nº 2 y sus primeras aventuras en el espacio se vieron en Firestorm nº 20, donde ha sabido que, aun estando en el espacio, es capaz de conectar con sus poderes.



Con respecto al futuro, y a falta de saber cómo acaban las cosas en la Crisis, ya hemos podido ver en Internet a Buddy formando parte de una nueva Liga de la Justicia algo masificada cuya andadura comenzará este mismo año de la mano de Brad Meltzer y Ed Benes.

ANIMAL MAN AND ALL RELATED INDICIA ARE (C) DC COMICS.

16.1.06

ANIMAL MAN (1 DE 2)


Ilustración de Brian Bolland para Who's Who in the DC Universe.


Animal Man fue un personaje creado en plena edad de plata que no tuvo el éxito de otros de los héroes de la época. En los ochenta, Grant Morrison convirtió su serie regular en un clásico contemporáneo del género y uno de los estandartes de la línea Vertigo. Hoy repasamos la trayectoria de Buddy Baker desde sus comienzos hasta sus últimas apariciones estelares en el Universo DC.

Extrañas aventuras

Strange Adventures era una publicación de DC que, desde su nacimiento en 1950, había visto nacer a personajes hoy casi olvidados como el Capitán Cometa. A mediados de los sesenta, Jack Schiff sustituyó a Julius Schwartz como editor y, bajo su tutela, se creó un puñado de héroes como Deadman, el Hombre Inmortal, la Encantadora o Animal Man. El debú de este último se produjo en el número 180, con la historia "I Was the Man with the Animal Powers" escrita por Dave Wood y dibujada por Carmine Infantino.


Portada de Carmine Infantino para Strange Adventures nº 180.


Lo curioso de la primera aparición de Animal Man fue que no se llamaba así en toda la aventura ni se dejaba ver con su uniforme naranja y azul. Por no tener, no tenía ni apellido. Era, simplemente, un joven llamado Buddy que, mientras cazaba por las Montañas Adirondack, se encontraba con una nave espacial que se había estrellado. Como no podía ser de otro modo, escudriñó la nave y alguna radiación le afectó de tal modo que, en un zoo cercano, supo que podía adoptar las habilidades especiales de los animales.


Animal Man en la portada de Strange Adventures nº 190,
también por Infantino.



Reticente al principio a convertirse en superhéroe, Buddy regresó en Strange Adventures nº 184 con Woods y con Gil Kane a los lápices. Sin embargo, acabó luchando contra el crimen y, en el número 190, Infantino le diseñó el uniforme de guerra. Buddy dejó de ser "el hombre que tenía los poderes de los animales" a convertirse en Animal Man o A-Man, según la ocasión. Tal vez esta tardanza en tener un alias y un traje influyera en que, en los cómics, nunca ocultó su identidad secreta. Tras tres apariciones más en la colección, DC pasó del personaje durante mucho tiempo. Buddy se casó con su novia, Ellen Frazier, y se fue a vivir a San Diego.

Los Héroes Olvidados

Gerry Conway recuperó puntualmente al personaje en Wonder Woman (vol. I) nº 267 y 268 (mayo y junio de 1980). La Asombrosa Amazona y Animal Man se encontraron en África mientras ambos se enfrentaban al Cártel y, tras una pequeña confusión, hicieron equipo. En esta historia titulada "The Man who Walked with Beasts", sabíamos que Buddy se había retirado porque la policía de San Diego le ponía demasiados problemas y no favorecía tanto a los superhéroes como la de Metrópolis, por ejemplo.

En Action Comics nº 552 y 553 (febrero y marzo de 1984), Marv Wolfman y Gil Kane recuperaron a Animal Man y otros personajes muy secundarios y casi olvidados. Wolfman inventó una buena excusa para su ausencia, pero se daba de morros con lo que Conway había contado en Wonder Woman. La solución fue tan fácil como habitual en DC Comics: aquella historia nunca había sucedido. Todo en virtud de una saga bastante buena y que, a título personal, fue una de las primeras historias que leí de Superman, porque la editó Zinco en el primer volumen del personaje.


Superman y los Héroes Olvidados en Action Comics nº 153, por Gil Kane.



Wolfman bautizó a estos personajes con el nombre colectivo de Héroes Olvidados (Forgotten Heroes), y los convirtió oficialmente en grupo bajo el mando del Hombre Inmortal. A parte de éste, el equipo se componía de Animal Man, Rick Flagg (del Escuadrón Suicida original), Rip Hunter, Congo Bill, Cueva Carson, Dane Dorrance y Dolphin. Diez años atrás, todos ellos se habían topado con una pirámide dorada en distintos puntos del mundo y, cuando fueron a avisar al gobierno de Estados Unidos, los federales hicieron lo posible para taparlo y evitar que siguieran con sus actividades heroicas. El Hombre Inmortal descubrió que las pirámides formaban parte del plan de su archienemigo Vandal Savage para derrotar a Superman y conquistar el mundo. Junto con el Hombre de Acero, los Héroes Olvidados salvaron la situación... y volvieron a desaparecer.

Pero regresaron al cabo de un año, de nuevo gracias a Marv Wolfman, en DC Comics Presents nº 77 y 78 (1985). Animal Man y compañía hacían equipo con Superman para enfrentarse a una reproducción de la misma idea: los Villanos Olvidados. De evidente función, este equipo recuperó a personajes como el Cazador sin Rostro, Míster Poseidón o la única de ellos que no acabó en la cárcel tras aquella aventura: la Encantadora. Después de aquello, llegó Crisis en tierras infinitas y, claro, el grupo tuvo su pequeño papel. Sin embargo, el Hombre Inmortal murió durante la saga y los Héroes Olvidados se disolvieron. Buddy se retiró por segunda vez, pero no sería por tanto tiempo.

ANIMAL MAN AND ALL RELATED INDICIA ARE (C) DC COMICS.

13.1.06

PORTADAS DC: ACTION COMICS Nº 553 (1984)



Esta portada es la del Action Comics nº 553 (marzo de 1984) y contenía la historia titulada "The World at Time's End" escrita por Marv Wolfman y dibujada por el gran Gil Kane, que también ilustró la portada. Los personajes que acompañan a Superman son un grupo muy raro llamado Héroes Olvidados. Se trataba de héroes a los que DC llevaba tiempo sin utilizar, como Animal Man, Rick Flagg, Rip Hunter o Dolphin, por citar a los más conocidos. Este grupo debutó en el número anterior y se unió a Superman durante dos episodios para enfrentarse al villano que los había lanzado al olvido, Vandal Savage, que era el mortal enemigo del Hombre Inmortal, el líder de estos Héroes Olvidados. El grupo volvió a aparecer un año más tarde en DC Comics Presents nº 77. Conoceremos más detalles sobre ellos el próximo lunes en el post dedicado a Animal Man.

SUPERMAN, ACTION COMICS, AND ALL RELATED INDICIA ARE (C) DC COMICS.

12.1.06

RUNAWAYS VOL. 1: PRIDE AND JOY TPB


Portada the Jo Chen para Runaways (vol. I) nº 5 USA.



Guión: Brian K. Vaughan.
Dibujo: Adrian Alphona.
Portada: Jo Chen.
Contiene Runaways (vol. I) nº 1 a 6.
Marvel Comics, 144 páginas, 7,99$.

(Edición española:
Runaways nº 1 a 3
Panini, 48 páginas, 2,90€ c/u.)

Un año después de que Vertigo empezase a publicar Y: El último hombre, Marvel se acercó a su guionista, Brian K. Vaughan, para que crease un nuevo grupo de héroes adolescentes. No había que crear otra generación de mutantes o unos jóvenes vengadores; tenía que ser algo totalmente nuevo y enmarcado en el Universo Marvel tradicional, pero a distancia. El resultado fue Runaways (Fugitivos), de cuyo primer recopilatorio hablamos hoy.

Ya en el primer episodio, Vaughan manifiesta lo que va a ser la colección. El tema central consistirá en un grupo de adolescentes que no se soportan al principio pero que deberán hacer piña para enfrentarse a sus padres, cuyos actos condenan abiertamente. Y es que ser hijo de supervillanos no debe de ser fácil. Así, el conflicto generacional está servido con el toque particular de Vaughan, que consiste en usar diálogos geniales para unos personajes tan bien caracterizados como diferentes entre sí.

Hijos de unos padres que son actores, médicos o aclamados científicos en su identidad secreta, estos jóvenes tendrán que asimilar muchas cosas en poco tiempo. A parte de que sus progenitores sean supervillanos, descubrirán que tienen poderes ellos mismos o que pueden emplear armas que los simulan. También deberán hacerse a la idea de que, en cuanto empiezan a enfrentarse a sus padres, no hay vuelta atrás. No van a aceptar a sus hijos de nuevo en una escena sensiblera, sino que intentarán matarlos e incluso manipularán a la policía que los persiga.

Como ocurre con Y, Runaways es una historia de guionista en la que el dibujante, Adrian Alphona, es un correcto narrador cuyas virtudes jamás destacan por encima de la trama. Eso no quiere decir que no tenga ciertos momentos gráficos muy buenos, pero nunca son tan brillantes como para dejar en un segundo plano el argumento o los diálogos.

Con estos elementos, tenemos un cómic de Marvel que cuenta con uno de los mejores guionistas de los últimos años y con un dibujo correcto para meternos en una historia para todos los públicos que es lo bastante inteligente y fresca como para engancharnos desde el primer momento.

RUNAWAYS AND ALL RELATED INDICIA ARE (C) MARVEL COMICS.

11.1.06

SUPERMAN: KAL



Guión: Dave Gibbons
Dibujo: José Luis García-López
DC Comics, 68 páginas, 5,95$


En 1995, DC publicó un Otros Mundos dedicado al Hombre de Acero llamado Superman: Kal. Bajo un título tan poco original, se encontraba una historia cuya premisa consistía en que la nave de Kal-El había llegado a la Tierra en plena edad media. Con esto, el cómic consiste en mezclar el origen de Superman con un buen puñado de tópicos propios de las historias medievales: un campesino pobre enamorado de una noble, un señor feudal muy malo, un torneo, un escudero al uso, una venganza personal...

Cuando su planeta natal explota, el bebé Kal llega a la Tierra muy cerca de Lexland, una ciudad dominada con mano de hierro por el déspota Barón Luthor, que mantiene prisionera a Lady Loisse, hija del difunto Duque de Layne. Kal, que ya es mayor, se marcha a la ciudad a trabajar como herrero para Oll y su hijo, Jaime Ollson, con los que pronto entablará una gran amistad. El Barón organiza un torneo que Kal vence gracias a sus poderes, y recibe como premio un pañuelo de Loisse. La doncella se enamora de él, y deben mantener su relación en secreta. Sin embargo, cuando Luthor encuentra la nave con que llegó Kal a la Tierra, le pide que le haga una armadura forjada con ese material. Como recompensa, el joven le pide la mano de Loisse. Los problemas de verdad comenzarán cuando Luthor exija su derecho de pernada.

Aunque al principio resulte curioso ver cómo se mezclan las historias de Superman y la tragedia medieval, el conjunto empieza a cansar pasadas unas páginas. Casi todo lo que ocurre es muy previsible, si bien alguna que otra sorpresa lo hace más llevadero. Por otra parte, aunque Kal queda bastante bien caracterizado, Loisse y Luthor podrían ser cualquier otro personaje por lo arquetípico. Y el final de la historia es lamentable, con una resolución del conflicto demasiado ecuánime y facilona, y con una sorpresa final que da más risa que otra cosa.

Sin lugar a dudas, lo mejor de esta historia fue el dibujo. García-López es un dibujante que se prodiga poco para desgracia del mundo del cómic, porque siempre cumple en todos sus trabajos. Incluso en una historia tan sosa como ésta, nos regala una caracterización y ambientación fantásticas. Y eso que no es su mejor trabajo, ni mucho menos.

Concluyendo, este Superman: Kal resultó ser tan insípido como su título. Personajes típicos, situaciones muy vistas y un desenlace realmente penoso contrastaban con un dibujo por otra parte muy bueno.

SUPERMAN AND ALL RELATED INDICIA ARE (C) DC COMICS.

10.1.06

STAR SPANGLED KID


Página de JSA All-Stars nº 4, por Mike McKone.


La segunda Star Spangled Kid fue una creación original de Geoff Johns que protagonizó una serie de breve duración y que ayudó a fundar la actual SJA. Convertida en superheroína sólo para fastidiar a su padrastro, la joven Courtney Whitmore se ha ganado un lugar a pulso en el el grupo más antiguo del Universo DC debido a sus indudables cualidades.


El primer Star Spangled Kid

Aunque Courtney debutó en 1999, el legado del primer héroe llamado Star Spangled Kid (literalmente, "Chico de las Barras y Estrellas") se remonta a octubre de 1941. En Star Spangled Comics nº 1, Jerry Siegel y Hal Sherman nos presentaron a Sylvester Pembroke, el joven millonario que adoptaría tan rimbombante alias. El joven vivió muchas aventuras durante aquellos años y, ya en los setenta, se unió a la SJA (Sociedad de la Justicia de América). En los ochenta, ayudó a fundar Infinity Inc y se hizo llamar Skyman. Finalmente, falleció a manos de Solomon Grundy.

Pembroke no debutó solo en aquel número. Nació ya con un compañero de batallas llamado Stripesy, conocido como Pat Dugan. Se trataba de un mecánico que, igual que Sylvester, estaba viendo una película en el cine cuando un grupo de nazis irrumpieron en la sala. Juntos los vencieron, pero no se unieron aún. Pembroke era un niño rico y Pat, un mecánico de coches. Mientras le arreglaba el vehículo, ambos oyeron a un hombre desear que la bandera de Estados Unidos cobrase vida para ayudarlos contra los nazis. Ni cortos ni perezosos, Pat y Sylvester pensaron que podían convertirse en justicieros. Pat no contaba más que con sus músculos y sus habilidades en combate, pero Sylvester se construyó un cinturón que le daba poderes. Al principio, Stripesy y Star Spangled Kid eran rivales, pero se aliaron cuando ambos fueron secuestrados por los nazis. Hasta tenían un vehículo en común llamado Star Rocket Racer, creado por Pat y financiado por Sylvester.

Courtney Whitmore

«Es una adolescente que tiene un legado propio con el que seguir. No es ni Wonder, ni Super ni Bat. Es un personaje en sí misma. Además, le persigue un buen dolor de muelas en forma de padrastro. Habrá muchos que se identifiquen con ella.»

Con estas palabras se refería un Geoff Johns aún sin consagrar a la colección regular que DC Comics puso en sus manos en 1999. Se trataba de Stars and S.T.R.I.P.E., protagonizada por una nueva Star Spangled Kid, coescrita por James Robinson con diálogos de Lee Moder e ilustrada por Chris Weston. Courtney White era una adolescente que había vivido siempre con su madre después de que su padre las abandonase. Sin embargo, no tenían una relación estrecha sino todo lo contrario. Un mal día cuando Courtney tenía ya quince años, su madre apareció en casa con un novio llamado Pat Dougan. La pareja se casó y, para desgracia de Courtney, se trasladaron a Nebraska, concretamente a Blue Valley (la ciudad natal de Wally West, el tercer Flash).

Courtney no soportaba ni a su padrastro ni a su hermanastro Mike, y mientras registraba cajas viejas encontró pruebas de que Pat había sido Stripesy... y el cinturón de Star Spangled Kid. Así, se convirtió en superheroína con ese nombre, pues el artefacto el daba fuerza, agilidad y le permitía disparar estrellitas. Pero no estaría sola. Pat estaba dispuesto a tolerar el capricho de su hijastra, pero no a dejarla sola ante el peligro, así que se contruyó una armadura y la siguió a todas partes con la identidad de S.T.R.I.P.E.

Johns creó a Courtney pensando en una hermana suya que murió en un accidente de avión, lo cual demuestra que este personaje fue un proyecto muy personal. De hecho, la joven viste un uniforme basado en el de Yankee Poddle, personaje de los cómics del Captain Carrot al que Johns tanto admira. De hecho, lo está recuperando en sus últimos números de Teen Titans. A pesar de esto, la colección fue un batacazo comercial y no superó las quince entregas. Johns no estaba dispuesto a que el personaje cayera en el olvido, y la mantuvo en JSA como uno de los personajes que han sido fijos durante toda la colección.

Será en JSA donde Courtney crecerá como heroína y también, como persona. En el grupo tiene buenas amigas, como Hawkgirl y Power Girl, aunque también encontrará el amor y comenzará una relación que algunos considerarán pedófila. Y lo es, por lo menos a ratos. También la veremos protagonizar su propia aventura en JSA All Stars nº 4 (por Geoff Johns y Mike McKone, el equipo creativo de Jóvenes Titanes). Allí, cerrará un capítulo difícil de su vida (su padre biológico) y cambiará de nombre de guerra. Se hará llamar Stargirl, en honor a la vara cósmica que lleva desde que se la cedió el último de la larga serie de personajes llamados Starman. Cómo y por qué, lo veréis dentro de poco.

STAR SPANGLED KID AND ALL RELATED INDICIA ARE (C) DC COMICS.

9.1.06

WONDER WOMAN: HIKETEIA


Guión: Greg Rucka.
Dibujo: J. G. Jones.
DC Comics, 96 páginas, 17,95$

Otras ediciones, ambas agotadas:
DC Comics, 96 páginas, 24,95$ (tapa dura);
Norma Editorial, 96 páginas, 10,50€.


Wonder Woman: Hiketeia fue el primer contacto de Greg Rucka con la Princesa Amazona y resulta una introducción ideal para la actual serie regular que publica Planeta en España. Y es que esta novela gráfica resume la concepción que tiene el escritor de Diana. El candor del personaje recreado por George Pérez ha quedado atrás porque se ha llevado demasiados palos como para seguir siendo una princesita inocente. Ha visto morir a su madre, a muchas de sus hermanas amazonas, ha combatido en guerras intergalácticas, ha perdido amigas y ha ganado enemigas que la odian a muerte.

Admito que mi Wonder Woman es la de Pérez y, por extensión, la de Phil Jiménez. Y no es por nada, simplemente porque fue la etapa en la que entré en contacto con el personaje. Sin embargo, Rucka me ha convencido en su etapa en la serie regular de que otras visiones del personaje pueden funcionar. En Hiketeia, nos enseña a Diana como una mujer que antepone su honor y el valor de una promesa ante cualquier cosa, incluyendo las peticiones de un amigo o la misma justicia. Eso sí, es su concepción de la justicia y del honor, una en la que cree y a la que defenderá a capa y espada incluso en situaciones límite. Y para eso, cuenta con una faceta guerrera que le viene de casta. Puede ser la más pacífica o puede enseñar los dientes a las mismas Furias. Todo depende de la situación y de lo que ella considere correcto. Estas convicciones le traerán muchos problemas en su colección, como veréis dentro de unos meses, pero en Hiketeia funcionan a la perfección.

No se puede tratar a Diana y a sus ideales sin hablar de mitología, y Rucka lo sabe perfectamente. Sin embargo, aquí rompe de nuevo con Pérez y Jiménez, que trataban los mitos griegos con total respeto a la tradición. Él conoce esos mitos y así lo demuestra en esta novela gráfica, pero no dudará en manipularlos, actualizarlos y adaptarlos a sus historias en la colección mensual. Al fin y al cabo, si Diana es capaz de evolucionar, los dioses también.

Por lo que respecta al dibujo de J.G. Jones, me parece simplemente correcto. Sus portadas pintadas en la serie mensual son excelentes, pero como dibujante de los interiores tiene algunos defectos que se demuestran en las distancias cortas. Vamos, en los primeros planos en los que los personajes necesitarían mayor expresividad. Es cierto que compensa esto con virtudes varias, pero en una historia tan introspectiva como ésta, habría venido bien un dibujante más expresivo.

En fin, esta novela es una introducción a lo que estáis leyendo ahora en la serie regular de Planeta. Contiene todo lo que Rucka considera que debe ser Wonder Woman y tiene un dibujo más que aceptable a pesar de algunos defectos, y aún se puede encontrar en su versión americana en tapa blanda. En España, la editó Norma hace un par de años, pero al parecer se encuentra agotada. En todo caso, si os está gustando la Princesa Amazona de Rucka, os recomiendo este cómic.

WONDER WOMAN: HIKETEIA AND ALL RELATED INDICIA ARE (C) DC COMICS.

5.1.06

EL DAILY PLANET


Portada de Superman: Metropolis Secret Files


Como tantos otros elementos y personajes de la mitología de Superman, el Daily Planet es un icono reconocible en todo el mundo. Hablamos hoy del periódico en que trabajan personajes tan conocidos como Lois Lane, Perry White, Jimmy Olsen o, por supuesto, Clark Kent.

El Daily Star

El primer año de existencia del Daily Planet fue bastante confuso. Jerry Siegel y Joe Shuster asentaron buena parte de los elementos que conformarían el contexto de Superman durante finales de los años treinta y principios de los años cuaranta. De entre esos elementos, el periódico en que trabajaba Clark Kent fue uno de los que más cambios sufrió. Para empezar, en Action Comics nº 1 ya se nos muestra al personaje entrando en el periódico para el que trabaja. Se trataba del Daily Star. Según confirmó Shuster años más tarde, ese nombre procedía del Toronto Daily Star, la publicación a la que sus padres estaban suscritos cuando él era un niño y para la que él mismo trabajó como repartidor.


Viñeta de Action Comics nº 1



Sin mayor explicación, en Action Comics nº 23 (abril de 1940), los propios Siegel y Shuster cambiaron el nombre del periódico a Daily Planet para evitar problemas de derechos con el diario de Toronto. No obstante, el Daily Planet ya había aparecido con ese nombre en la primera tira de prensa de Superman, la publicada el 13 de noviembre de 1939. Desde aquel momento, se olvidó que había existido un Daily Star y un The Evening News de Cleveland (donde vivían Siegel y Shuster) que sólo se mencionó en Superman nº 1 (1939).

Casi tan confuso como el nombre del periódico era el de su editor. Éste apareció ya en el Action Comics nº 1 de junio de 1938, pero carecía de nombre de pila. Fue en Superman nº 2 (1939) donde se le llamó George Taylor. Sin embargo, en Superman nº 7 (noviembre de 1940) ese nombre se cambió por el más que conocido Perry White. Tanto cambio inexplicado se debió a que el éxito del Hombre de Acero era desmesurado en aquella época; con tres colecciones regulares (Action, Superman y World's Finest), una tira de prensa y un serial radiofónico, a veces había que hacer las cosas sobre la marcha.


Viñeta de la tira donde aparece el Daily Planet por primera vez.



Sin embargo, el Daily Star y George Taylor no desaparecieron para siempre. Cuando la historia del Hombre de Acero comenzó desde cero en los sesenta y se inventó aquello de Tierra-2 para historias anteriores a la fecha, se estableció que el Clark de aquel mundo trabajaba en un Daily Star dirigido por George Taylor. Ya en los ochenta, supimos que el editor se había jubilado y que lo había sustituido Clark Kent. Tras Crisis, el Superman de Tierra-2 y todos sus elementos desaparecieron del mapa...

El Daily Planet

El primer contacto de Clark Kent con el Planet tuvo lugar retroactivamente durante la época en que era Superboy en Smallville. En Adventure Comics nº 120 (septiembre de 1947), un Perry White que aún era reportero apareció por el pueblo investigando al Chico de Acero, y fue entonces cuando se hizo público que era alienígena. El reportaje le valió un Pulitzer a White, y fue el primer paso hacia un futuro más que prometedor como editor del diario, puesto al que accedió mientras Kent estudiaba en la Universidad de Metrópolis. El editor al que había sustituido se llamaba también George Taylor.

El Daily Planet era el periódico más viejo de Metrópolis. Se fundó en 1826 y contaba con sucursales en varias ciudades importantes del mundo, como Londres, Roma, Atenas o Tokio. Su única competencia local era el Metropolis Eagle. El diario contaba con un edificio propio de unos cincuenta pisos que apareció por primera vez en la famosa serie de Fleisher Studios de los años cuarenta. El edificio se implantó en los cómics en Superman nº 19 (1942) con el característico globo en la azotea. Eso sí, sin el anillo que lo rodeaba, que no llegó hasta un año después.

A principios de los setenta, el periódico pasaba por una mala situación económica y se vendió a Galaxy Broadcasting System, cuyo presidente era Morgan Edge. Éste integró en el edificio una emisora de televisión llamada WGBS TV. Clark Kent se convirtió en presentador de los informativos de la cadena junto con Lana Lang. Fue con esta situación con la que desapareció el Daily Planet pre Crisis.

En el Universo DC post Crisis, Lex Luthor fue durante un tiempo el propietario del Daily Planet. En aquella época, Lois Lane y Clark Kent ni siquiera habían empezado a trabajar allí. Cuando Luthor se planteó venderlo, Perry White convenció a la empresa TansNational Enterprises para que lo comprase. Sin embargo, Luthor lo recuperó para evitar que publicasen artículos en su contra. Finalmente, Lois Lane le ofreció ignorar información que lo comprometía a cambio de que se lo vendiera a Perry por una cantidad simbólica.

Curiosamente, en la DC actual el Daily Star es un periódico sensacionalista de Metrópolis.
SUPERMAN, DAILY PLANET, AND ALL RELATED INDICIA ARE (C) DC COMICS.

4.1.06

LA PATRULLA CONDENADA DE PAUL KUPPERBERG (2 DE 2)

Guest starring: Doom Patrol


Daring New Adventures of Supergirl nº 8, por Gil Kane.

A pesar del batacazo inicial, Paul Kupperberg se resistía a olvidar a su Patrulla Condenada. El guionista era uno de los encargados de DC Comics Presents, la serie de team-ups de Superman y una de las pocas supervivientes de la implosión. En el número cincuenta y dos, dibujado por Keith Giffen, hizo que el Hombre de Acero tuviera a la Patrulla como invitada. Fue un episodio bastante trascendente para el grupo y para la Mujer Negativa. El ser de energía se volvió loco y, al final, Val consiguió controlarlo pagando un precio bastante alto. Desde entonces, tenía que cubrirse con vendas, como hiciera Larry Trainor en los sesenta; y también como Larry, el ente energético se proyectaba desde su cuerpo.

En mayo de 1983, Kupperberg volvió a sacarse de la manga a la Patrulla en la efímera serie Daring New Adventures of Supergirl. Durante cuatro números (nº 7 a 10) dibujados por Carmine Infantino, la Chica de Acero compartió aventuras con Celsius y compañía para combatir al villano Reactron. En la continuidad post Crisis, se estableció que aquellas historias fueron protagonizadas por Power Girl y no por Supergirl, como se confirmó en Secret Origins Annual nº 1 cuando Robotman recordaba las aventuras pasadas del grupo.

Como todo personaje de DC, la Patrulla Condenada apareció en Crisis en tierras infinitas, si bien no tuvo demasiado protagonismo en la trama principal. Aparecieron en algunos números haciendo frente a los villanos reunidos y en la batalla final contra el Anti Monitor, pero poco más.

Y por fin, la serie regular


Doom Patrol (vol. II) nº 1, por Steve Lightle.


Tras diez años de insistencia y de empeñarse en sacar adelante "su" creación, Kupperberg se salió con la suya en 1987. Los años siguientes a Crisis en tierras infinitas, en los que DC vivía un momento creativo muy dulce, parecían propicios para un regreso triunfal de estos personajes. Dicho regreso se fue preparando poco a poco con las apariciones de la Mujer Negativa en Vigilante nº 36 y posteriores, de nuevo escritos por Kupperberg. John Ostrander también hizo aparecer a Robotman en Teen Titans Spotlight nº 10. Sin embargo, el prólogo oficial a la nueva colección mensual fue el ya citado Secret Origins Annual nº 1, en el que el propio Kupperberg revisó toda la historia del grupo ayudado por un excelente dibujo de John Byrne en sus buenos tiempos. En aquel especial supimos que el grupo se había disuelto debido a que Celsius estaba demasiado empeñada en buscar al Jefe.

Esto se convirtió en el tema central del primer año de la serie regular, titulada simplemente Doom Patrol. La serie debutó en octubre de 1987 y, en ella, el guionista recuperó a Robotman, a sus tres creaciones y a otros tres nuevos personajes. Se trataba de un delincuente callejero llamado Karma capaz de manipular los pensamientos ajenos, una chica llamada Lodestone con poderes electromagnéticos y un jovenzuelo de nombre Scott Fischer que recordaba de lejos al Cifra de Los Nuevos Mutantes de Marvel. Además, Kupperberg se comió con patatas aquello de "no mirar hacia el pasado" y recurrió a dos viejos conocidos para animar el cotarro. Uno fue el Hombre Negativo y, el otro, Niles Caulder, que en efecto no había muerto en el Caribe.

Tras encontrar la silla de ruedas de su esposo, Celsius estaba tan convencida de que no estaba muerto que volvió a llamar a sus ex compañeros. No lo encontraron enseguida, pero sí hallaron a Larry Trainor, que estaba preso de una especie de reencarnación de Vishnú llamado Kalki. A los nuevos reclutas los hizo llamar poco más tarde, y el Jefe se añadió en el noveno episodio.

Sin embargo, a pesar de Kupperberg, la serie no funcionaba. Su Patrulla Condenada era un grupo de superhéroes sin nada que los hiciera especialmente atractivos. Además, los nuevos miembros carecían de carisma. Por otra parte, el dibujante de buena parte de la colección fue un Erik Larsen que aún no contaba con el respaldo masivo e incomprensible del público. Los primeros números de Steve Lightle y los últimos, realizados por Graham Nolan, tuvieron unos dibujos excelentes, pero había algo que no acababa de funcionar en aquella colección. Y era, simplemente, que la Patrulla Condenada era sosa, y Kupperberg lo tuvo que acabar aceptando. DC aprovechó el cross-over ¡Invasión! para hacer limpieza y quitarse a varios personajes de encima. A partir del número diecinueve, llegó Grant Morrison para hacerse cargo de una de las etapas, esta vez sí, más recordadas de este errático grupo. Pero eso ya es otra historia.

DOOM PATROL AND ALL RELATED INDICIA ARE (C) DC COMICS.

3.1.06

LA PATRULLA CONDENADA DE PAUL KUPPERBERG (1 DE 2)

La "nueva" Patrulla Condenada

En 1977, DC Comics recuperó la colección Showcase con Paul Levitz como editor. Desde finales de los cincuenta hasta su cancelación en 1970, este título había servido como presentación para héroes hoy tan conocidos como Flash (Barry Allen), Green Lantern (Hal Jordan) o Atom (Ray Palmer). Con el renacimiento de la colección, Levitz se planteó la resurrección de la Patrulla Condenada debido a la insistencia de Paul Kupperberg, el guionista que al final recuperó al grupo en Showcase nº 94 (agosto de 1977) con Joe Staton como dibujante. El grupo original había muerto en Doom Patrol v1 nº 121 (1968, más información aquí ), pero Kupperberg quiso recuperar a Robotman, el más popular de sus miembros. La duda estaba en quién le acompañaría en esta nueva encarnación.


Detalle de la portada de Showcase nº 94, por Jim Aparo.



«Queríamos una opción que no fuera utilizar a los viejos miembros». decía Kupperberg en la entrevista que acompañaba al Secret Origins Annual nº 1. «Los podríamos haber resucitado o podríamos haber dejado vivo sólo a Robotman como al superviviente lógico de aquella última historia. Sin embargo, decidimos crear un grupo totalmente nuevo. En aquel momento optamos por mirar adelante y no anclarnos en el pasado.»

Con este planteamiento, Levitz y Kupperberg añadieron a un Robotman que había sido reconstruido por Will Magnus, el creador de los Metal Men, tres personajes de nueva factura; se trataba de Celsius, la Mujer Negativa y Tempest. Las dos primeras estaban relacionadas de algún modo con la Patrulla Condenada de los sesenta. Pero ¿quiénes eran estos tres novatos?

· Celsius era una joven india llamada Arani Cesai Caulder que estaba casada con el Niles Caulder, más conocido como El Jefe de la Patrulla original. Niles y Arani se habían enamorado en la India cuando ella era muy joven. Tras escapar de su hogar, había caído enferma y Niles la curó durante la época en que era médico voluntario. Cuando él tuvo que regresar a Estados Unidos, no se la pudo llevar consigo por temas económicos, y la dejó a cargo de unos monjes para evitar que volviera a la calle. Durante aquella época, Arani descubrió que tenía el poder de proyectar calor con una mano y frío con la otra. Cuando Niles volvió, se casó con ella y le dio el suero de la inmortalidad en el que había estado trabajando. Sin embargo, eso puso a Arani en peligro porque había enemigos de Niles interesados en el suero, y la volvió a dejar atrás cuando volvió a Estados Unidos y fundó la Patrulla Condenada. Arani supo de su muerte y de la del resto del grupo y viajó a Midway City, donde se instaló en la mansión de su esposo.

· Tempest, o Joshua Clay, era el quinto hijo de un matrimonio de Brooklyn que, por circunstancias de la vida, acabó metido en turbios asuntos de la vida callejera. Cuando un juez le dio a elegir entre la cárcel o alistarse en el ejército, Joshua eligió ir a Vietnam como ayudante de médico. Durante una misión, su superior inició una masacre contra un pueblo de civiles indefensos, y el joven se enfadó tanto que descubrió que podía proyectar energía con las manos. Desertó después de aquel lamentable incidente.

· La Mujer Negativa era una cosmonauta soviética llamada Valentina Vostok cuyo prototipo se estrelló cerca de donde había muerto la Patrulla Condenada original. De alguna forma, su cuerpo contactó con el ser de energía negativa de Larry Trainor, el Hombre Negativo, y desde entonces Val podía convertirse en dicho ser.

Arani reclutó a Val y a Joshua porque estaba convencida de que El Jefe seguía vivo en algún sitio. Robotman se unió poco después cuando se los encontró en la mansión de Caulder. Durante sus tres apariciones en Showcase nº 94 a 96, el grupo se tuvo que enfrentar al General Inmortus, que quería robar el secreto del suero de la inmortalidad que Arani había tomado años atrás. Para desengaño de Kupperberg, el grupo no tuvo el éxito que él esperaba y aquellos tres números no tuvieron continuidad en forma de serie regular, que era lo que el guionista esperaba.


Cartel promocional de la "Explosión DC", el comienzo del desastre.



Este fracaso de "La Nueva Patrulla Condenada" se debió a dos razones. Una se podría achacar al propio Kupperberg, que no recuperó el espíritu del grupo original, cuya gracia (y éxito) radicó en que reunía a héroes inadaptados y marginados por la sociedad. El espíritu multiétnico del nuevo equipo, que tan bien le había funcionado a Marvel en X-Men, no se repitió porque, simplemente, los personajes no tenían el carisma suficiente. La segunda razón, que tal vez sea la de mayor peso, fue el acontecimiento conocido como "La implosión de DC". Durante los años anteriores, DC había lanzado y resucitado un número apabullante de colecciones. Esto desembocó en un colapso económico que culminó con la venta de la editorial a Warner Communications y con la cancelación de una treintena de series en 1978. Una de ellas fue Showcase, que murió tras sólo once números. Ninguno de los personajes promocionados en ella obtuvo serie propia.
DOOM PATROL AND ALL RELATED INDICIA ARE (C) DC COMICS.

2.1.06

WONDER WOMAN VOL. 3: BEAUTY AND THE BEASTS TPB


Portada de Wonder Woman Vol. 3: Beauty and the Beasts TPB,
por George Pérez


Guión de George Pérez, Len Wein y John Byrne.
Dibujo de George Pérez y John Byrne.
Portada de George Pérez.
Contiene Wonder Woman (vol. II) nº 15 a 19 y Action Comics nº 600.
DC Comics, 160 páginas, 19,99$.


Tercero de los cuatro tomos en los que DC está recopilando la etapa de George Pérez en Wonder Woman a finales de los ochenta. En estas páginas, asistimos al renacimiento post Crisis de dos supervillanas clásicas de la Princesa Amazona; se trata de Cisne Plateado y Circe. Por si fuera poco, también incluye el primer encuentro en solitario entre Superman y Wonder Woman, que termina con una épica batalla contra Darkseid en pleno Olimpo.

Después de presentar a Diana y a las amazonas, su filosofía, su historia y su intensa relación con la mitología griega, Pérez se ocupó de que el mundo exterior conociese a Wonder Woman como un icono pacifista y cándido capaz de hacer el Bien sin esperar nada a cambio. Después, y de forma más precipitada, Diana se presentó en la sociedad superheroica durante Legends para inmediatamente asistir a la recreación de Cheetah. Una vez todo estaba planteado y Wonder Woman se había empezado a labrar un nombre en el mundo exterior, Pérez la metió en una aventura mitológica que fue uno de los puntos álgidos de toda su etapa. En este tomo, Diana volvía al mundo patriarcal para profundizar en su vida como superheroína.

A parte de hacer más convincentes a las dos villanas antes mencionadas y convertir a Circe en una amenaza que había que seguir muy de cerca (su versión pre Crisis era insoportable), Pérez profundiza en la familia "humana" de Diana como sustituta nada desdeñable de sus amazonas de toda la vida. También nos muestra cómo la joven empezaba a sentir cositas en su interior al ver a los hombres y, en concreto, a Superman.

Esta atracción que tan sutilmente fueron insinuando tanto Pérez como John Byrne, culminó en la fantástica historia del Action Comics nº 600 que se incluye en el tomo. La tensión sexual no se resuelve porque la pareja al final queda como lo que debía ser, esto es, dos grandes amigos que aún lo serían más en el futuro. En cuanto al dibujo de ese capítulo concreto, es poco menos que grandioso. A un Byrne que aún era un gran dibujante se le unieron las tintas (y algo más en algunas viñetas) de Pérez para dar como resultado un cómic que ha sobrevivido como pocos al paso del tiempo.

WONDER WOMAN AND ALL RELATED INDICIA ARE (C) DC COMICS.